ROBERTA ORLANDO | L’avevamo già pregustato all’interno del progetto Next, ma dopo il debutto in prima nazionale, ci sembra doveroso un approfondimento dell’ultimo lavoro di Francesco Frongia, in scena all’Elfo Puccini fino al 4 Dicembre.
Un soggiorno moderno, il suono della tv accesa, una donna anziana in un impermeabile eccentrico, un’altra più giovane che la rimprovera, come una madre con la figlia adolescente che ha messo una gonna troppo corta o che ha preso un’altra nota a scuola. Peccato che qui i ruoli siano ribaltati. È la figlia che detta le regole comportamentali a una madre che ha fatto di nuovo “la pazza” al supermercato, che si è messa ancora quella giacca ridicola, che ormai sta diventando lo zimbello del quartiere. La reazione dell’anziana Muriel (Ida Marinelli) è incostante, a tratti sembra imbarazzata, altre volte indifferente, oppure non smette di giustificarsi e di sdrammatizzare, accrescendo la collera della figlia Stephanie (Elena Ghiaurov) che sin dalle prime battute si dimostra stremata dalla situazione.
Questa è solo la p
rima delle otto scene che compongono l’atto unico di Joyce Carol Oates, autrice americana che Francesco Frongia aveva già affrontato nel 2010 con “Nel buio dell’America – Dissonanze” (tradotto come in questo caso da Luisa Balacco) e che in Italia risulta ancora poco nota, rispetto all’ampiezza della sua produzione.
Le due protagoniste sono in costante conflitto non solo tra loro, ma anche con il mondo circostante. Un mondo che per Muriel è fatto di rifiuto del passato e del suo ruolo materno (persino di farsi chiamare “mamma”), di amori immaginari e scomposizione della realtà. Per Stephanie, al contrario, c’è invece la ricerca ossessiva di un passato che le è stato nascosto, il bisogno di un padre in quanto, soprattutto, arbitro di questo gioco di forze tra lei e sua madre. Ma Muriel le ricorda “Tuo padre se n’è andato tanto tempo fa, portandosi via la sua faccia”, infatti non resta neanche un’immagine di lui, non un ricordo. Così la figlia cerca (invano) un appiglio per salvarsi da questo rapporto-gabbia e dalla compassione che sta minacciando anche la sua ambizione professionale, ma allo stesso tempo ha paura. Di cosa? Di affrontare una realtà diversa, di essere indipendente (che potrebbe tradursi in ulteriore solitudine?), che è poi la paura diffusa di chi non ha ancora “tagliato il cordone ombelicale”, a prescindere dall’età.
Sulla base di questa interpretazione, ci appare paradossale che Stephanie sia impegnata nella formazione di un partito politico a favore dei diritti delle donne. Uno dei momenti più amaramente comici dello spettacolo coincide infatti con una telefonata in cui la donna espone a una collega i presupposti di una lotta contro la violenza domestica, ma la conversazione viene disturbata dalla madre che compare in tuta sportiva, accende la tv e si infiamma davanti a un incontro di boxe, facendo il tifo per Mike Tyson. Proprio in questa scena troviamo, più visibile che mai, la metafora centrale di tutta l’opera: Muriel si allena a vincere questo scontro, spinta da un (inconscio?) desiderio di riscatto e di (ri)affermazione che prevale sui sentimenti, facendoli “eclissare”.
Arriverà persino a denunciare la figlia per maltrattamento, azione che richiederà l’intervento e la mediazione di una divertente Cinzia Spanò nei panni dell’assistente sociale.
Un tema delicato, che nonostante il crudo realismo, viene affrontato con una dolcezza che ammorbidisce anche le azioni più fredde. Tuttavia, a livello ritmico si incontra qualche rallentamento che appesantisce la scena e che avrebbe quindi reso vantaggioso qualche taglio aggiuntivo. Sebbene la suddivisione in brevi scene dovrebbe favorire questo aspetto, in realtà affievolisce continuamente il livello di tensione, che sale e scende e poi risale, fino all’apice che si raggiunge solo alla fine, quando una delle due donne sembra “vincere la battaglia”, ottenendo in premio la libertà di continuare a vivere di fantasia (il che implica la coercizione dell’avversaria): ed ecco che la porta del soggiorno si spalanca per lasciar entrare l’amante spagnolo di Muriel (Osvaldo Roldan), che lasciandosi alle spalle una “paradisiaca” luce bianca, balla con lei un tango. Molto efficace l’effetto della luce, che crea una dimensione onirica nella quale le ombre dei due corpi danzanti si muovono, come avvolti nella nebbia.
L’interpretazione delle due protagoniste è il punto di forza dello spettacolo, in particolare quella di Ida Marinelli, tra comicità, follia e sdoppiamenti di personalità.
Frongia si conferma un regista di una sensibilità non comune, che sa insegnarci a vedere anche quel che non si vede.
L’ECLISSE
di Joyce Carol Oates
traduzione di Luisa Balacco
regia di Francesco Frongia
con Ida Marinelli, Elena Ghiaurov, Cinzia Spanò e Osvaldo Roldan
costumi di Ferdinando Bruni
luci e suono di Nando Frigerio
produzione Teatro dell’Elfo
con il sostegno di Next
Compleanno è ancora con il sentimento di oggi la chiamata ad assistere al lamento per la scomparsa dell’amico, prima ancora che dell’artista, un componimento struggente di ammiccamenti umani e piccoli gesti del quotidiano, fatto di frasi comprensibili forse in alcuni casi solo da loro due, come un dialogo fra un devoto e una capuzzella delle anime del Purgatorio. Poi c’è una parte letteraria, comprensibile alla comunità, privata dell’intelligenza mai nominata di Ruccello, ma evocata in forma simbolica, ad esempio con le rose, quelle di Jennifer, di uno dei suoi testi principali. Poi c’è una parte di cui è incarnazione il corpo dell’attore, accessibile a tutti ancora oggi, a distanza di 30 anni e che anzi, il corpo che cambia di Moscato trasforma in un dialogo con la morte, con la Morte, un personaggio di cui si aspetta l’avvento, più che di un genio di cui si piange l’impossibile ritorno. E che si tratti di un rito funebre, in qualche modo, di una surreale danza macabra, lo statuisce chiaramente una breve lettura che anticipa lo spettacolo e che fa ode alla morte giovane, che cristallizza l’eterno oltre la decadenza della vita. E più passano gli anni, più, ovviamente, l’attore incarna questo inevitabile decadere del corpo, testimoniando come il solo dialogo con lo spirito, l’arte, segnino i passaggi verso l’immortalità.
Tanto più questa risulta convincente e tanto più lo spettatore è nello spettacolo, tanto meno ha voglia di applaudire, perché attorcigliato in un vortice di tracolli esistenziali, tanto che persino l’happy end si perde in una telefonata surreale, per aprire uno squarcio di realismo spiazzante, che di colpo porta in scena un’altra generazione, un altro progetto, una vita capace di guardare avanti in maniera generosa. Una nonna non convenzionale e madre degli ultimi. E il paragone fra quelle inconsistenze umane che negli anni 80 si abbandonarono all’eroina e i giovani adolescenti che nell’oggi social si narcotizzano di futuri impossibili è presto servita. L’ululato del protagonista, in un finto verismo scenico molto ben calibrato e ammalato, è l’ultimo verso di un essere che non trova modo di dar voce alla belva interiore, incastrata com’è in dialoghi con voci off sempre molto assertive e senza incertezze, figlie di una generazione ideologicamente non vacillante ma che ha generato con le sue certezze un presente sfaldato e inverosimile fino a 20 anni fa. Le certezze dei blocchi contrapposti sono lontane secoli e il nuovo ordine mondiale ha il sapore della disperante povertà. Come Esilio di Mariano Dammacco, questo lavoro ci proietta in un futuro che è già presente, con cui rifiutiamo di dialogare perché il fallimento è sempre meglio tenerlo lontano, almeno fino a quando non ci si aggrappa alle spalle e ci dice che a fallire siamo noi. E a quel punto ci vediamo in un buco nero con il vuoto attorno. Uno spettacolo di esemplare crudeltà, che fa sentire lo spettatore scomodo fin dalle prime battute, che ricorda La terra dei figli, l’ultima creazione del graphic novelist Gipi, per una prospettiva purtroppo non ottimistica ma da cui non riusciamo a staccare gli occhi.
A far da contraltare all’universo emotivamente dissestato della famiglia-non famiglia un fondale scenico da cameretta dei bambini, azzurro e con le nuvolette d’ovatta, il mobilio da stanzetta, insomma un mondo che vorrebbe uscire dall’infanzia ma dove tutti, adulti compresi, si comportano come bambini. 
Lo sguardo di Mathias vi si insinuerà, non solo perché uomo di bell’aspetto (molto di bell’aspetto). In quello sguardo, in quelle scogliere ci senti Emily Bronte, abita la tragedia, quella vera, quella tosta, da Eschilo a Shakespeare. Sono solo sensazioni, sono attese sospese. Il paesaggio è protagonista, non solo per la sua bellezza davvero mozzafiato, ma per quei vuoti e quei silenzi che separano sparuti villaggi, di poche decine di persone, talvolta, vicinissimi ma distanti, dove la semplicità della vita legata alla terra, non risparmia segreti profondi e terribili, crudi quanto inutili e stupidi.
Tom è un uomo giusto e come gli uomini giusti spesso cozza con l’autorità. Importante è la giustizia, essenziale, anche qui, imprescindibile.
Si tratta di un originale progetto di teatro documentario e partecipativo che punta a riflettere sulla trasformazione morfologica, antropologica e fenomenologica della famiglia contemporanea, attraverso un format che si ripete identico in ognuna delle sue otto tappe ma che giunge ogni volta a risultati diversi.
Per chi è coinvolto direttamente nella performance è sicuramente un’esperienza di reciprocità attraverso un’azione di scomposizione e ricomposizione. Chi assiste da fuori percepisce una grande coralità. Soprattutto se si considera che per gran parte del lavoro tutti i partecipanti, bambini compresi, abitano in maniera spontanea e informale lo spazio performativo. Familiare appunto.