FRANCESCA GIULIANI | In un paesaggio di artaudiana memoria MDLSX di Motus, visto al Teatrino della Collegiata durante il festival di Santarcangelo, mette in scena l’esplosione di un corpo. Silvia Calderoni sul palco scompone il suo organismo per aprirlo a connessioni, congiunzioni, per oltrepassare e condividere soglie di fragilità. Creatura della realtà sociale che è sempre creatura della finzione, come scriveva Donna Hardaway nel suo A Cyborg Manifesto, spezzerà e interrogherà i suoi io per liberarsi in una dionisiaca “danza alla rovescia”. E lo farà mescolando perfettamente forme e linguaggi, oltrepassando il teatro per starne perfettamente dentro i suoi confini, restando da attrice sospesa tra la perfomance e il dj set.
Una luce tendente al magenta illumina il lungo banco da dj che nella penombra del palco posteriore mostra oggetti che traducono varie identità vestibili. Da tappeto un triangolo oro riflettente ricopre quello spazio che sarà terreno d’azione del lungo e potente monologo dell’attrice. Uno schermo si accende sul fondale: è una sorta di oblò/specchio che si apre sui ricordi del passato ospitando vecchi filmini di famiglia che raccontano, a frammenti, la vita dell’adolescente romagnola ripresa dall’occhio materno nel decennio a cavallo tra anni Ottanta e Novanta. A quella figura virtuale si sovrapporrà la ragazza di oggi, quella in scena, che attraverso le riprese di un cellulare proietterà frammenti del suo corpo sullo schermo sovrapponendosi e quasi cancellando l’immagine passata. “Chi era quella?” si chiederà a un certo punto.
In questa sorta di teatrino fatto di specchi, di abolizioni dei generi, di frantumazione di corpo, di io che si cercano e si abbandonano, di travagli e energia vitale, il corpo svuotato di ogni categoria è protagonista. Calderoni si muove come un dj, facendo eco a quella mitica e irreale figurina di Kaspar Hauser interpretata da lei stessa nel film di Davide Manuli, La leggenda di Kaspar Hauser, che viene citato anche in uno dei video di MDLSX.
Se il personaggio narrativo di riferimento è Calliope/Cal, l’ermafrodito protagonista del romanzo di Jeffrey Eugenides, Middlesex, a questo si sovrapporranno senza soluzione di continuità l’Orlando di Virginia Woolf, il Carlo di Pier Paolo Pasolini e brandelli di manifesti politico-culturali tratti, tra gli altri, da Beatrice Preciado e Donna Hardaway. Nello spazio della finzione l’attrice si mette veramente a nudo e riscrive, attraverso il suo corpo in scena e aumentato in video, una sorta di autobiografia che trae forza, e a tratti violenza, da quella finzione narrativa che le fa da scudo. Ogni brandello di azione e di pensiero viene perfettamente intrecciato a un brano musicale che, proiettato nel titolo e nell’autore sullo schermo, andrà a comporre la playlist dell’intero spettacolo. Sarà Despair degli Yeah Yeah Yeah ad aprire la colonna sonora di MDLSX e Imitation of life dei Rem a chiuderla, collezionando una ventina di brani che necessariamente, per rappresentare gli anni dell’adolescenza dell’attrice, faranno da corollario musicale a questa “auto-fiction”, alterando nella presenza dell’attrice lo spazio della rappresentazione con lo spazio del reale.
RENZO FRANCABANDERA | Ci sono molte buone ragioni per visitare il Piemonte anche d’estate, ma è fuor di dubbio che fra queste vada menzionata la rassegna di teatro e nuovo circo Teatro a Corte, diretta da Beppe Navello affiancato dalla grazia di Mara Serina, che da quindici anni, ormai, porta a Torino e nelle altre residenze sabaude spettacoli, arte e cultura internazionale, con una capacità di far arrivare in Italia artisti di grande qualità ma che, incredibilmente, altri circuiti non programmano. E’ come l’amico un po’ sciccoso ma che non se la tira, affidabile e che ti apre la porta. Insomma una combinazione rara, per fortuna non caciarona, che si impone con la sua cortesia ma senza schiamazzi.
MARIA PIA MONTEDURO | La LXIX Festa del Teatro a San Miniato, il più antico Festival di teatro italiano, presenta come spettacolo centrale “Passio Hominis”, il testo che raccoglie varie tradizioni orali della Passione messe per scritto da una monaca copista teatina nel 1576 e 1577, Maria Jacoba Fioria. Una sacra rappresentazione desunta dal Codice V. E. 361 della Biblioteca Nazionale di Roma. La piazza davanti al Duomo, che accoglie spettacolo e Festival, è quella dove nell’estate del 1944 furono uccisi dai nazisti ben 55 civili. E qui va in scena la passione di Gesù Cristo, inserita e attualizzata nel Novecento, “secolo breve”, ricco di stragi, dolore, morti, totalitarismi. Su un testo straordinario per icasticità e forza drammaturgica, il regista Antonio Calenda abilmente inserisce un’analisi, spietata e realistica, dei drammi storici e umani del secolo scorso, ponendo come cardine dell’azione il rapporto, intenso e sofferto, della Madre con il Figlio. La Madonna e Gesù vivono intensamente il dolore per l’imminente morte di questi: Maria lo esorta a non accettare per una volta il Disegno e Gesù si strugge per il dolore che vede negli occhi e nel volto della Madre, dolore di tutte le madri che hanno perso e che continuano a perdere i figli, ammazzati, traditi, imprigionati. A dare spessore ancora maggiore a un testo, di per sé forte e asciutto, l’interpretazione possente e drammatica di Lina Sastri, che fissa nella voce, negli sguardi e nei movimenti lo strazio di chi si sente portar via l’oggetto d’amore della propria esistenza, il figlio unico e irripetibile, la sua stessa ragione di vita. La Sastri, con mille sfumature di voce e di sguardi, colora il dolore più forte (perché contro natura) per antonomasia: quella di una Madre che sopravvive al figlio. A cadenzare le parole in volgare della monaca cinquecentesca inserti della vita del ‘900: il sinedrio, Caifa e i sommi sacerdoti a metà strada tra nazisti, mafiosi e dittatori argentini (interessante l’inserimento di una scena di tango); un povero – indice del destinatario primario del messaggio di Cristo – che ricorda l’ingenuo Charlot e il bistrattato soldato Schweyk; la quotidianità serena della vita della madre rappresentata da un’antica macchina da cucire, in una dolcezza e intimità casalinga che ricorda il lirismo di Garcia Lorca. E poi un angelo che con voce dolcissima cerca di consolare Gesù nell’Orto degli Ulivi e un diavolo che accompagna Giuda al suicidio. Una scena-non scena (un tavolato a U sopraelevato, con il pubblico dentro e fuori il recinto) rende aoristico il dramma della morte di Gesù che, nell’acme della vicenda, muore non propriamente in croce, ma per una raffica di mitra, come tanti giovani partigiani. Qui alle musiche di Germano Marzochetti (molto ben integrate nell’azione drammaturgica) si unisce Haendel è l’effetto è dirompente. L’ultimo segmento dello spettacolo offre il pianto di un neonato: dalla morte può nascere la Vita, la speranza non deve mai abbandonare l’umanità. Tutto il cast è oltremodo coeso: nei ruoli principali, oltre alla Sastri, Jacopo Venturiero (Christo), Francesco Benedetto (Juda), Antongiulio Calenda (Joanni), Alessandro di Murro (Petro), Marco Grossi (Caifas). Lo spettacolo si replica fino al 2 luglio. Poi il 25 e il 26 agosto andrà all’Aquila, quasi voler stigmatizzare una nuova “Passione dell’uomo”…
