VINCENZO SARDELLI | Il rapporto tra uomo, potere e immaginazione. Il delirio di chi, dal potere, si lascia corrodere. C’è la forza sublime del male e della violenza nel Caligola di Albert Camus che la compagnia Teatro Zeta dell’Aquila ha portato in scena al Binario 7 di Monza con la regia di Pino Micol. C’è il bisogno d’amore, sublime e angosciante più della violenza.
È un testo che contagia questo Caligola. Vogliamo soffermarci su Camus, sulla sua poetica intrisa di venature filosofiche. È il nostro modo di ricordarlo, a cent’anni dalla nascita.
Caligola, dunque.
Parigi 1941. Tempesta atmosferica e deflagrazione bellica. Lampi, tuoni, pioggia battente, fulmini; granate, spari, rinculi d’arma da fuoco. Sono laceranti le luci e i suoni di contorno alla scena, cui fanno da contrappunto le musiche lievi originali di Massimo Bizzarri, arie sacre d’organo e gorgheggi.
Siamo dentro un teatro. Una compagnia rappresenta la pièce, in una scenografia dal carattere domestico. L’arte è antidoto all’arroganza sanguinaria di Hitler.
Doppio binario, insomma: da una parte la guerra presente, la follia di Hitler, la Francia occupata dalle truppe tedesche; dall’altra una storia del passato rappresentata su un palcoscenico, che del presente diventa metafora e chiave di lettura.
In questo Caligola, Camus scandaglia la figura del tiranno in lotta contro i senatori, l’uomo affranto per la morte della sorella e amante Drusilla. Sono le alte passioni, l’ambiguità di chi si rimette la maschera e torna ad amare, la considerazione di quanto sia effimera la felicità, per il sovrano come per l’uomo comune.
Di fronte all’irrazionalità della vita, Caligola impone il gioco dell’assurdo. Nell’arbitrio sfrenato moltiplica crimini e misfatti, in un orizzonte indefinito tra il bene e il male.
La forza di questo dramma sta nella bellezza del testo, nell’intreccio tra poesia, sogno e azione. Tutto è alla mercé del caso. L’amore stesso è relativo, s’infila nella variabile tempo/morte.
La parola trafigge la ragione. Il senso dell’assurdo affiora continuamente. L’eloquio di Caligola si caratterizza per una serie di domande aperte che definiscono la complessità del personaggio. È quasi un’autolegittimazione: per quest’uomo si prova compassione, non disprezzo.
La morte, potenza divina e rivelatrice, attende Caligola, e prima ancora la sua amante Cesonia, che sprofonda nell’impotenza. Caligola, al termine di un avvincente climax di follia, riscatta con una morte coraggiosa una vita sciagurata.
La regia di Micol esalta la forza di questo dramma: movimenti da animali feriti e brancolanti, pose statuarie, nascondimenti. Ogni movimento ha un’anima. Tutto è rigore, classicità lontana da derive accademiche.
Micol riduce i dettagli descrittivi concentrandosi sui volti e sulle emozioni dei personaggi, in una serrata sequenza di ombre e di luci, senza esibizione. Con atmosfere tra Caravaggio, Reni e Hayez, con illuminazioni da espressionismo cinematografico tedesco, anche noi finiamo in scena, testimoni dei fatti narrati. Questa immediatezza, la volontà di rompere lo schermo che separa l’arte dalla vita, è forse l’aspetto più forte dello spettacolo. Micol rispetta Camus, stringe la scena intorno alle figure e agli oggetti essenziali, si concentra sull’immutabilità delle passioni, rompe le variabili spazio/tempo.
Angoscia e tenerezza, sacrificio e peccato, orrore e bellezza: Caligola colpisce perché parla di noi. Agisce nel presente come i miti classici, le terzine di Dante, i personaggi di Shakespeare.
Buona la prova di tutti gli attori (Massimiliano Cutrera, Ezio Budini, Gabriele Anagni, Nicola Ciccariello, Andrea Palladino, Valerio Giordano). Con Manuele Morgese-Caligola istrionico, capace di esprimere l’attimo, le smorfie subitanee dell’imperatore, ai cui deliri dà voce, corpo e occhi. E una Maria Letizia Gorga-Cesonia le cui pose vanno dall’espressività tranquilla di Cleopatra alla drammaticità della Maddalena, con incursioni canore nella lirica.
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EMANUELE TIRELLI | Toto Cutugno ha partecipato a quindici edizioni del Festival di Sanremo e ha vinto solo una volta, nel 1980, con Solo noi. Toto Cutugno ha scritto Soli per Celentano, Io amo per Fausto Leali, Noi ragazzi di oggi per Luis Miguel e molti altri brani conosciuti, popolari e vere hit per decenni interi, con e senza il suo amico paroliere Popi Minellono. Toto Cutugno è anche quello che ha scritto, e interpretato perché Celentano non se la sentiva, la canzone L’italiano. Insomma, lo possiamo prendere serenamente in giro, ma è uno dei personaggi più nazionalpopolari e rappresentativi della musica leggera italiana di una ventina d’anni.
Adesso, non è che qui su PaneAcqua si dice che Fabio Volo non sappia scrivere in italiano e che non sia in grado di scrivere. Anzi. A farlo lo sa fare. E nemmeno che non faccia cultura. Probabilmente è un tipo di cultura diversa da quella che intendono alcune persone affezionate a questa parola. Un po’ come se al ristorante chiedete un cucchiaio per il brodo e vi portano una forchetta. Servono entrambi per mangiare, ma hanno qualche sensibile differenza. Comunque qui il discorso è un altro. Qui stiamo dicendo che quando Toto Cutugno nelle sue quindici presenze al Festival di Sanremo è arrivato primo una sola volta, gli è capitato di piazzarsi dietro, per esempio, Perdere l’amore di Massimo Ranieri, Uomini soli dei Pooh e Si può dare di più di Ruggeri-Morandi-Tozzi. Certo, una volta gli è capitato anche di arrivare dietro una giovane e perfetta sconosciuta chiamata Tiziana Rivale di cui nessuno ricorda il nome e la canzone. Ma è il Festival di Sanremo, una kermesse nazionalpopolare. Non parliamo mica del Premio Tenco assegnato a Bruno Lauzi, Franco Battiato, Charles Trenet, Tom Waits. È un’altra cosa. È davvero tutto un altro premio, un’altra manifestazione con presupposti e inclinazioni differenti.
Vedendo il secondo cast in scena si ha l’impressione di vedere un altro spettacolo. Natalia Osipova (Manon), é molto espressiva, e il ventunenne Claudio Coviello (Des Grieux), comunicano più tra loro mostrando un’intesa perfetta. Il giovane, nononostante l’età, appare già maturo per un ruolo cosí importante e quello che colpisce é proprio il suo amore per la « vita ». Nel pas des deux finale, attraverso i suoi sguardi e i movimenti delle sue braccia cerca di ridare vita a Manon oramai febbricitante e morente. Certamente lavorare con Natalia Osipova ha costituito per lui un arricchimento professionale, facendo notare dei progressi anche rispetto al Lago dei Cigni del luglio scorso ove interpretava il principe Sigfrid. Nota di merito a Mick Zeni, nei panni di Lescault, che ha saputo in maniera magistrale condurre l’intreccio con le sue doti teatrali e alla sua amante maliziosa Alessandra Vassallo.
FRANCABANDERA & ZAZIE | Freddina e umidosa Milano in queste prime piogge. Usciamo dall’Elfo dopo Elena, Tragedia lirica sulla deriva del mito di Maddalena Mazzocut-Mis con la regia di Alessia Gennari. Due donne fra tradimenti, famiglie, uomini, figli. La scena divisa in due, davanti le due attrici, dietro un velo scuro trasparente i membri dell’Ensemble vocale Calycanthus diretto dal M° Pietro Ferrario. Le due donne sono Elena Russo Arman (che interpreta una moderna Elena (Bovary), moglie e madre, insoddisfatta dalla provincia e che cerca in un altro uomo il brivido del vivere) e Sara Urban (la tradita, che accudisce un figlio malato). Gli uomini non compaiono, sono giacche, i bambini hanno sembiante di pupazzi di stoffa. Il coro intervalla il recitato in prosa.
Z: Sciocco! Non mi far perdere il filo: il coro, stavo dicendo. E’ un elemento fisico e sonoro che dialoga coi personaggi, che invece non parlano mai tra di loro, a beneficio di un’ulteriore fissità, che era però già più che sufficiente. La Russo Arman, che altrove piacque, qui usa un birignao irritante, che se non sei stata Valentina Cortese è meglio lasciar stare, Sara Urban è più discreta ma debole, ed entrambe sembrano ispirate e mosse enfaticamente dalle mani del Fato, ma sono invece lasciate a loro stesse, perse nella scena del cui spazio non mostrano consapevolezza.
FRANCABANDERA & ZAZIE | Freddina e umidosa Milano in queste prime piogge. Usciamo dall’Elfo dopo Elena, Tragedia lirica sulla deriva del mito di Maddalena Mazzocut-Mis con la regia di Alessia Gennari. Due donne fra tradimenti, famiglie, uomini, figli. La scena divisa in due, davanti le due attrici, dietro un velo scuro trasparente i membri dell’Ensemble vocale Calycanthus diretto dal M° Pietro Ferrario. Le due donne sono Elena Russo Arman (che interpreta una moderna Elena (Bovary), moglie e madre, insoddisfatta dalla provincia e che cerca in un altro uomo il brivido del vivere) e Sara Urban (la tradita, che accudisce un figlio malato). Gli uomini non compaiono, sono giacche, i bambini hanno sembiante di pupazzi di stoffa. Il coro intervalla il recitato in prosa.
Z: Sciocco! Non mi far perdere il filo: il coro, stavo dicendo. E’ un elemento fisico e sonoro che dialoga coi personaggi, che invece non parlano mai tra di loro, a beneficio di un’ulteriore fissità, che era però già più che sufficiente. La Russo Arman, che altrove piacque, qui usa un birignao irritante, che se non sei stata Valentina Cortese è meglio lasciar stare, Sara Urban è più discreta ma debole, ed entrambe sembrano ispirate e mosse enfaticamente dalle mani del Fato, ma sono invece lasciate a loro stesse, perse nella scena del cui spazio non mostrano consapevolezza.
ANDREA CIOMMIENTO | Luigi Meneghello è un outsider della cultura ufficiale, specchio di un’italianità propria e di una scrittura profondamente teatrale. Sì, perché i suoi personaggi parlano con una lingua fatta di accenti e modi di essere appartenenti a una specie-specifica, una razza senza ipocrisia che ha portato a compimento la sua feroce analisi di cosa voglia dire essere veneti e italiani. La sua scrittura racconta storie di personaggi vivi e immaginari costruendo una musicalità letteraria appartenente alla scena, fatta di “punteggiatura dal valore assoluto, come solfeggio della parola”, ci racconta Alessio Pizzech, responsabile del progetto Ufficina Meneghello, ideato dal regista e promosso da otto Comuni dell’Alto Vicentino insieme alla Fondazione Teatro Civico di Schio.
ANDREA CIOMMIENTO | Luigi Meneghello è un outsider della cultura ufficiale, specchio di un’italianità propria e di una scrittura profondamente teatrale. Sì, perché i suoi personaggi parlano con una lingua fatta di accenti e modi di essere appartenenti a una specie-specifica, una razza senza ipocrisia che ha portato a compimento la sua feroce analisi di cosa voglia dire essere veneti e italiani. La sua scrittura racconta storie di personaggi vivi e immaginari costruendo una musicalità letteraria appartenente alla scena, fatta di “punteggiatura dal valore assoluto, come solfeggio della parola”, ci racconta Alessio Pizzech, responsabile del progetto Ufficina Meneghello, ideato dal regista e promosso da otto Comuni dell’Alto Vicentino insieme alla Fondazione Teatro Civico di Schio.
VINCENZO SARDELLI | Compartimenti stagni. E ti viene quella faccia un po’ così se vai alla rassegna di teatro “omosessuale” Illecite visioni al Filodrammatici di Milano. Che per me esiste solo “il” teatro. Con la t maiuscola o con la t minuscola. L’arte è una categoria dello spirito. Un universale, alla maniera kantiana. Non a caso Corrado Alvaro si imbestialiva quando gli davano del “meridionalista”.
VINCENZA DI VITA | “Il teatro non appartiene alla morte. Il teatro è ciò che è vita” dichiara Francesco Sframeli. Una festa a teatro che intenda celebrare la vita deve essere per vocazione un evento corale e condiviso. In questa prospettiva si colloca la presenza inaugurale di Nunzio di Scimone e Sframeli all’interno di “Prima Volta”, rassegna teatrale, a cura dell’Associazione Culturale Querelle, da un progetto di Gigi Spedale, Dario Tomasello e Vincenzo Tripodo, appena sbocciata, ma che già al primo evento ha dichiarato il sold out lo scorso 8 novembre. L’esperienza che proseguirà fino al 27 dicembre, coinvolge una squadra di giovanissimi alle prese con la loro insolita esperienza a teatro: studenti universitari, coinvolti in allestimenti e recensioni, e giovani allievi della “palestra per attori” ActorGym.