RENZO FRANCABANDERA | Questo articolo arriva con qualche giorno di ritardo, perchè voleva esser scritto la sera del 21 marzo, quando ero appena uscito dalla Triennale di Milano Teatro dell’Arte, avendo assistito prima a –N-esimo Progetto Fallimentare di QuaLiBò e poi a –FOLK-S will you love me tomorrow? di A. Sciarroni.
Stiamo parlando del Festival Uovo. Da anni a Milano. Undici per l’esattezza. Performing arts, danza contemporanea. N-uovo, insomma. Grazie a loro sono stati circuitati alcuni dei lavori più interessanti e sfidanti degli ultimi anni. L’edizione di quest’anno potete seguirla in video qui.
Andiamo agli spettacoli.
Nel primo dei due in programma, N-esimo Progetto Fallimentare, Maristella Tanzi e Carlo Quartararo, ovvero QuaLiBò, presentano alcuni quadri al lume di neon, con la Tanzi impegnata in passi di danza contemporanea e Quartararo a fare da fonte luminosa, avvinghiato come Laocoonte fra cavi elettrici e prese di corrente. Una premessa interessante, che enuclea l’intento artistico. Una musica emanata da una fonte sonora sporca fa da sottofondo a un ragionamento che in realtà ambisce a creare una poetica del fallimento, inteso come costruzione non ortodossa, e dunque non valutabile con il canone normale. E’ ovviamente un provocatorio tentativo di invertire il parametro estetico, e anche in sala cerchiamo di ragionare a testa in giù. Da questo punto di vista sicuramente meno comodo, registriamo come alcune trovate di matrice quasi situazionista e surreale intrighino ma che l’uovo (visto che siamo in tema) non arrivi proprio al sodo. Nel senso che quello che viene proposto è un lavoro interessante ma che non sconvolge. Che non porta in un’altra dimensione di sensi e di senso.
E la riprova la abbiamo poco meno di un’ora dopo assistendo invece a quello che ci sembra veramente un piccolo capolavoro, che è FOLK-S will you still love me tomorrow? di Alessandro Sciarroni, una coreografia basata su una danza popolare folcloristica, lo “Schuhplatter”, tipico ballo bavarese e tirolese, antica danza di corteggiamento, interpretata da Marco D’Agostin, Pablo Esbert Lilienfeld, Francesca Foscarini, Matteo Ramponi, Alessandro Sciarroni e Francesco Vecchi.
Sciarroni riparte da alcuni segni dello spettacolo precedente, Lucky star, dai performer bendati. All’inizio, sei fari illuminano dell’alto il palcoscenico, lasciando il fondo nel buio.
Lui stesso, in vestiti tradizionali tirolesi, porta in scena gli altri performer, bendati, disponendoli in cerchio. Parte un ballo tondo, un ballo di origine popolare.
Questa epifania ha istantaneamente richiamato alla mente quanto visto in questo stesso luogo due anni fa, quando Claudia Castellucci presentava, all’interno del progetto STOA, una riflessione su regole, semantica e poetica del ballo tondo. Secondo noi la radice di entrambi gli studi risiede in questo.
E l’emozione, il rarefatto, l’ossessiva ripetitività insita nel fascino delle regole è lo stesso.
Poco dopo l’inizio della performance, vengono date al pubblico le regole: lo spettacolo va avanti fino ad esaustione o di chi è sul palco o di chi è in platea. E così accade. Piano piano sul palco qualcuno si stanca. Ed esce. Anche in platea qualcuno più ossessionato dalla proposta apparentemente ripetitiva esce.
Pensiamo che in questo tipo di fruizione ci debba essere la stessa audacia che provarono i contemporanei di Mondrian nel passare dallo sfrenato e ancora tardo romantico figurativo della maggior parte dei loro coevi a quei segni, quelle linee. Al loro rigore. A quei tre quattro colori. Fissi.
Eppure questa ripetitività ossessiva è invece un topos della tradizione del ballo popolare, fino allo stato di trance. Come i dervisci. Come i tarantati. Ma chi ha avuto la tenacia di resistere a questa ossessiva iterazione di colpi su scarpe, polpacci, anche, scarpe, polpacci, anche, ha potuto accedere ad una dimensione che va oltre il segno, come il calligramma arabo ripetuto all’ossessione a Granada o Siviglia, mentre progressivamente venivano proposte per sottofondo coloriture sonore ovviamente incongruenti, ambient, di canto per sola voce, persino in un caso con una traccia sonora mandata al contrario. Un tentativo di narcotizzare e neutralizzare l’elemento musicale, per paradosso. Così il gesto rimane assoluto, la sensazione di questa emotività, riempie la sala. In questo Sciarroni è riuscito progressivamente a pulire questo lavoro rispetto, ad esempio, a quanto proposto a Drodesera, per arrivare proprio all’essenziale, al calligramma appunto, a Mondrian.
Come altri spettatori ho deciso ad un certo punto di interrompere la mia fruizione. Ero emotivamente felice, sazio, avevo i miei collegamenti, le mie ricchezze. Capire chi avrebbe ceduto per ultimo, chi era l’highlander della situazione era di minor interesse per me. Sono uscito.
Fuori c’erano altre persone emozionate come me. Dopo dieci minuti abbiamo sentito un grande applauso venire dalla sala. Evidentemente i danzatori avevano ceduto al gesto ginnico.
Li ho applauditi metaforicamente da fuori.
Spero anche che altre persone possano vedere Folk-s, provare questa sensazione. Emozionarsi per la geometrica poesia dell’esistere.
Il video sul lavoro di Sciarroni a Drodesera
[vimeo 46230417 w=500 h=281]
DRODESERA 2012 We Folk! – ALESSANDRO SCIARRONI “FOLK-S, WILL YOU STILL LOVE ME TOMORROW?”
Un video sulla giornata del 21 marzo di cui parla questo articolo
[vimeo http://www.vimeo.com/62418800 w=500&h=281]
UOVO performing arts festival_day two from Uovo on Vimeo.
shooting and editing: Romana Sarti
special thanks to: Giulia Mariani
music: YACHT – Tripped Fell In Love
Intervista a Sciarroni
[vimeo http://www.vimeo.com/62421172 w=500&h=281]
NICOLA ARRIGONI | Schierati ai lati di una sorta di tappeto/pedana delimitata da corde — i legami fra i personaggi — la vicenda dei Karamazov è narrata e agita nel suo susseguirsi di intrecci, di amori, rancori e vendette. Lo spazio è quello, o per lo meno lo richiama, dell’Arlecchino servitore di due padroni di Giorgio Strehler, una sorta di spazio teatrale a vista, in cui attore e personaggio convivono, in un dichiarato svelamento della finzione che Strehler mutuava da Brecht e che César Brie fa proprio come molti segni che si rincorrono ed emergono dal suo I Karamazov, centone teatrale in cui la tradizione del terzo teatro s’incontra con quello di regia in un gioco tanto callografico quanto vuoto.. César Brie ha lavorato con i suoi giovani attori: Daniele Cavone Felicioni, Gabriele Ciavarra, Clelia Cicero, Manuela De Meo, Giacomo Ferraù, Vincenzo Occhiero, Pietro Traldi ed Adalgisa Vavassori per dare forma scenica al feuilleton dei Karamazov, concentrandosi sulla trama piuttosto che sul pensiero di Dostoevskij, sui ruoli piuttosto che sulle funzioni, sui personaggi piuttosto che sulle idee.
LAURA NOVELLI | Cogliamo l’occasione del laboratorio teatrale “Mercuzio e altri personaggi mancanti” che Armando Punzo terrà alle Manifatture Knos di Lecce dal 25 al 29 marzo (nell’ambito del progetto “Io ci provo” della compagnia Factory) per raccontare qualche impressione sull’ultima fatica di un regista/simbolo della nostra scena contemporanea: anima di quella felice esperienza artistica e sociale che è La Compagnia della Fortezza di Volterra. L’ultima regia di Punzo si intitola appunto “Mercuzio non vuole morire” e già nel titolo – implicito il riferimento al “Romeo e Giulietta” – evoca una spontanea corrispondenza con l’imminente iniziativa pugliese, soprattutto in riferimento a quei “personaggi mancanti” sui quali si è concentra la ricerca di ambito shakespeariano condotta dal regista campano negli ultimi anni (basti considerare il precedente “Hamlice”, connubio tra Amleto e Alice).
Prendiamo ad esempio 
NICOLA ARRIGONI | E’ possibile rileggere Goldoni in maniera rispettosa, intelligente, senza perderne lo spirito, ma anzi guadagnando in gioco e in visione sul presente e sui meccanismi senza tempo dell’amore. E’ possibile farlo se a mettersi alla prova è un regista audace e spregiudicato –ovvero che va oltre il giudicato – come Damiano Michieletto che ha saputo fare de Il ventaglio di Carlo Goldoni un terreno di sfida in cui drammaturgia e inventiva, recitazione e ritmo, lingua e immagine sono un tutt’uno.
RENZO FRANCABANDERA | Proporre una commedia classica a teatro è sempre un azzardo, perchè, anche quando riletta attraverso uno sguardo attuale, c’è sempre rischio di disallineamento fra aspettative del pubblico, proposta dell’artista e i registri linguistici coinvolti.
GINA GUANDALINI | Sembra strano andare all’opera a mezzogiorno, soprattutto nel caso del mistico e sacrale Parsifal, ma qui al Metropolitan l’orario cambia a seconda della lunghezza dell’opera: e il Parsifal è lunghissimo. Ma in questo allestimento non è quasi mai pesante e si lascia seguire senza stanchezza. Il regista francese François Girard ha già presentato in Europa, a Lyon, questa sua intensissima concezione teatrale, che ora trionfa a New York presso critici e spettatori. Tutto è imperniato sul motivo del sangue.
Al MoMa è esposta fino ad aprile quella versione del celeberrimo Urlo di Edvard Munch, datata 1895, che è stata venduta l’anno scorso da Sotheby per una cifra epocale. E’ l’unica copia in possesso di privati e non di gallerie norvegesi. Il visitatore si trova davanti una tavoletta di legno di esigue dimensioni, eseguita a pastello, ma lacerante di tragicità, soprattutto in quel cielo a strisce rosse che sovrasta l’enigmatica scena. La mostra espone anche molte incisioni dell’artista norvegese, di proprietà del MoMa, che non sempre ci si ricorda di avere osservato in altre visite. Anche in queste è un uso straordinariamente abile della luce che colpisce, con il risultato che paradossalmente le incisioni di Munch sono spesso più luminose e immediate dei suoi quadri a olio e tempera.
MICHELA MASTROIANNI | Forse non ci interessa più o forse non ci interessa abbastanza, ma è certo che siamo cittadini europei e questa cittadinanza ci garantisce una serie di diritti, che integrano quelli nazionali. Tuttavia già nel 2010, nella relazione della Commissione europea sulla cittadinanza dell’Unione, era emerso che i cittadini non esercitano pienamente questi diritti e non ne traggono vantaggio (anche economico) semplicemente perché non li conoscono (per pubblicizzarli nel modo più ampio e capillare possibile il 2013 è stato proclamato 
MARIA CRISTINA SERRA | Ci sono musei in cui si ritorna sempre, provando l’emozione e lo stupore della prima volta. Si rivive il piacere di tornare su luoghi già vissuti, senza però lo spaesamento iniziale, con lentezza, accantonata l’ansia di consumare in fretta le meraviglie esposte, con lo stato d’animo di scoprirne di nuove. Il Louvre è una di quelle “cattedrali dell’arte” che dentro l’eterna brillantezza dei suoi saloni nasconde sorprendenti angoli inosservati, opere dimenticate sotto l’immobile bellezza. Ci riserva sorprese, puntando i riflettori su “icone” del passato, per rinnovare la loro immensità sul palcoscenico dell’attualità.
RENZO FRANCABANDERA | Zigulì è lo spettacolo (e prima ancora il libro) dei finalmente. Finalmente in modo semplice e diretto si parla di paternità, mettendo ad centro il rapporto fra il genitore che non partorisce e il generato. Finalmente un flusso di coscienza anti pietistico e vero, una bestemmia d’amore, quella del padre cui è toccato in sorte un figlio “handicappatissimo” prende il posto dei non detti che devi leggere negli occhi di chi ti guarda, guarda la creatura e pensa “che sfortuna”, “che peccato”. E la tua vita trascinata in un vortice di sogni irrealizzabili, abdicazioni a libertà non più possibili, ma anche aperture a una dimensione di amore filiale inconcepibile, dove l’amore soggioga, fa da vittima e carnefice. E quel sentimento da togliere il respiro che non ti lascia libero mai, come i gesti sempre al limite di un figlio che non sa dove e come esista il confine fra giocare e farsi male, fra essere umano e selvaggio della natura vivente.