RENZO FRANCABANDERA | Arrivi ad un certo punto che inizi a guardare l’insieme delle riflessioni sulla tua arte come un caleidoscopio in cui c’è l’immagine e poi i mille frammenti, spesso ripetitivi, che la compongono. E inizi a giocare a far perdere di senso all’immagine grande andando a decomporla nelle singole parti.
E finisci per capire che dopo questo processo dall’alto al basso, ne inizia un altro dal basso all’alto capace di ridare senso all’arte che praticavi ma con la leggerezza dell’informale.
Tutto diventa leggerissimo e inconsistente. Così rispetto a questo mondo, che altro potrebbe fare chi ne ha postulato l’essenzialità se non mendicare qualcosa? L’Arte povera, tanto povera che quando entri sembra di stare davanti alla Venere degli stracci di Pistoletto. Solo che al posto della Venere c’è uno scheletro e al posto degli stracci una serie di oggetti di risulta, quasi una piccola discarica teatrale, dalla quale Andrea Cosentino attingerà di volta in volta il necessario per realizzare micro-sequenze in nonsense.
Questa prospettiva ancor meglio si legge ripercorrendo il viaggio artistico di Cosentino à rebours, dove già il dialogo massmediologico, il format, il codice veniva decostruito, reso più finto del finto. Oltre Telemomò cosa poteva esserci? Ecco, lo sappiamo ora, in un melange estremo fra i micro sketches nonsense di Telemomò, le finte conferenze e i personaggi del teatro “locale” di Primi passi sulla luna e Angelica.
In realtà forse il Cosentino, come direbbe uno dei suoi conferenzieri da strapazzo, vuole, con questo capriccio d’arte, prendere le distanze non solo concettualmente ma persino fattualmente del tragico gorgo del teatro di narrazione cui evidentemente in maniera del tutto erronea e “imbroppria” la sua forma spettacolare è stata da taluni ascritta (cfr addirittura la voce Andrea Cosentino su Wikipedia).
“Tuttavia Cosentino arricchisce e fonde -per dirla sempre con il redattore della wikinote- il narrare scenico con”.
E infatti anche qui, attraverso l’impoverimento di cui si è fatto cenno, Cosentino arricchisce e fonde.
Sull’esperimento Esercizi di rianimazione le voci critiche si sono levate discordi. Pare che l’esordio romano, sempre in un’aura di compiacimento per l’arguzia e le trovate dell’artista, sia un po’ andato fuori binario rispetto all’icasticità del segno scenico e del gesto artistico.
Nella lectio spectacularis presentata la settimana scorsa a Milano al teatro della Contraddizione, tuttavia, tale deriva estrema è parsa riassorbita in nome di una fruibilità rimasta viva, e finanche lirica in un finale che rompe il gioco, lo schema della depauperazione per tornare alla costruzione di senso dal basso. Si sghignazza fra sé e sé, capendo delle allusioni, cogliendo qui e lì, navigando a vista o vedendo navigare.
Che possiamo allora dire di questa operazione che vede Cosentino con Bruno De Franceschi al pianoforte a fare da live soundtrack? E’ una minestra sicuramente nata da evidenze raffinate e sofisticate, citazioni e metacitazioni fra Bene e male dell’arte scenica, teatro e metateatro. Che proprio quando potrebbe rischiare di sembrare una broda indigesta, riesce a recuperare la deriva nonsense attraverso il potere lirico della parola.
E del concettuale, che vogliamo dire del concettuale? Ecco, qui il rischio è in agguato. E’ tutto questo accessibile e non a volte autoreferenziale? L’arte che parla di sè a sé è un codice accessibile e democratico nell’idea di fondo? Su questo Cosentino sta svolgendo ulteriori riflessioni, prendendo come spunto la figura della dea del marketing performativo Marina Abramovic. Attenzione però a non mettere al centro solo il linguaggese, perché il rischio di finire su un binario cerebrale è sempre in agguato, e oltre questo esperimento, e nel tentativo di rifuggire dalla narrazione tal quale, il periglio è di avvitarsi in spirali che sicuramente il conferenziere cosentiniano non definirebbe mai “pippologiche”, ma la possibilità che lo siano c’è.
Detto questo Esercizi di Rianimazione è da vedere. Perché di roba intelligente e critica in giro non ce n’è molta. E anche non capire tutto serve. In scena come nella vita.
E dura molto meno della vita.
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ANDREA CIOMMIENTO | La singspiel di Mozart si fa testamento scenico della lunga vita artistica di Peter Brook. Non c’è più nulla da nascondere in teatro e il suo “Flauto Magico” delinea un allestimento essenziale dal tratto scenico immediato, intessuto di parola detta e verso in canto. C’è il quieto Tamino che s’innamora di Pamina attraverso il ritratto, c’è il viaggio alla conquista della bella rapita dall’oscuro Sarastro; c’è anche la Regina della Notte, Papageno, il flauto, la campanella e le iniziazioni, ma quel che lascia il segno è ancora una volta la scena aperta di Brook.
ANDREA CIOMMIENTO | La singspiel di Mozart si fa testamento scenico della lunga vita artistica di Peter Brook. Non c’è più nulla da nascondere in teatro e il suo “Flauto Magico” delinea un allestimento essenziale dal tratto scenico immediato, intessuto di parola detta e verso in canto. C’è il quieto Tamino che s’innamora di Pamina attraverso il ritratto, c’è il viaggio alla conquista della bella rapita dall’oscuro Sarastro; c’è anche la Regina della Notte, Papageno, il flauto, la campanella e le iniziazioni, ma quel che lascia il segno è ancora una volta la scena aperta di Brook.
Non che per declinare la drammaturgia contemporanea debbano per forza occorrere traslazioni oniriche o derive pulp. Anzi, a volte la misura finisce per essere agognata. Certo, però, andare in Ferrari per le vie della città, finisce per dare il sospetto che sia più per farsi guardare che per godere a fondo della potenza del bolide su una pista.
MARIA PIA MONTEDURO | La classe citata nel titolo dello spettacolo di cui vogliamo parlare è una V elementare, la V C, i cui alunni sono tra i 1910 morti nel disastro della frana del Monte Toc (contrazione del friulano “patoc”, che significa marcio). Quando, alle 22.39 di quel fatale mercoledì 9 ottobre 1963…
EMANUELE TIRELLI | La morte aggiusta le cose, ma forse non tutto e comunque non per tutti. Prendete due autori famosi, uno è morto e l’altro, pochi anni dopo la scomparsa, ne parla pubblicamente su twitter come del “più noioso, sopravvalutato, pretenzioso scrittore della mia generazione”. Quello che non c’è più è David Foster Wallace, suicida nel 2008 quando era già considerato uno dei geni della letteratura contemporanea. Quello vivo è il Bret Easton Ellis di American Psycho, per dirne uno. Certo non è molto pulito uscire fuori con una frase del genere su qualcuno che non potrà ricambiare. E probabilmente non è nemmeno una gran mossa visto che gli amanti di DFW continueranno ad amarlo, quelli che non lo amano continueranno a non amarlo e quelli che sono indecisi forse si schiereranno dalla sua parte, anche solo e semplicemente perché è morto. Ma come mai tutto questo astio? Magari un po’ d’invidia? Cosa ha fatto il ragazzo con l’asciugamano al collo (che usava per “difendersi” dalle sudorazioni causate dall’ansia e che coordinava con una racchetta da tennis per far sembrare meno strana la presenza dell’asciugamano) o con la bandana sulla fronte (credeva che gli sarebbe esplosa la testa. Se non lo sapete e ve lo state chiedendo, la risposta è “sì, Wallace non stava affatto bene”)… insomma, cosa ha fatto per meritarsi queste sciabolate tutt’altro che morbide? Qualcuno sostiene che si sia ispirato a un romanzo di Ellis senza ammetterlo (vedi biografia ufficiale targata DT Max e pubblicata in Italia da Einaudi). Quello che è sicuro, invece, è che DFW fosse passato una e più volte con la sua lingua pesante sul famoso American Psycho e sullo stile di Ellis, argomentando, sentenziando, criticando in un’intervista rilasciata nel 1993 a Larry McCaffery. Intervista che da settembre possiamo leggere per intero anche in italiano grazie a Un antidoto contro la solitudine – interviste e conversazioni edito da Minimum Fax. E va bene, Wallace non le ha mandate a dire e aveva sempre una parola su ogni argomento: parlava di tennis, parlava di matematica, parlava di crociere, parlava di rap, parlava di filosofia e ancora e ancora e ancora. Ovviamente parlava di letteratura, scrittura e scrittori. Non ha risparmiato nemmeno Thomas Pynchon, definendolo un autore “oramai superato”, almeno da quanto possiamo leggere, sempre dallo scorso settembre, in Di carne e di nulla, una raccolta di riflessioni e interviste pubblicata da Einaudi. Insomma, abbiamo davvero tanta roba per conoscere meglio Wallace, farci gli affari suoi, capire cosa c’era dietro romanzi, saggi e racconti, e per dare anche una spiegazione a tutta una serie di vicende collegate. D’altronde, si può anche essere d’accordo con l’idea che la morte non aggiusti tutto quanto e che attaccare fortemente uno scrittore sulla propria letteratura sia molto peggio che prenderlo a randellate sulle ginocchia, però Bret Easton Ellis continua ad aver fatto la figura del rosicone. Insomma è come se mezza intellighenzia, e non solo, italiana criticata apertamente da Edmondo Berselli in Venerati Maestri iniziasse a dire pubblicamente che Berselli era davvero, ma sul serio, ma incredibilmente un poveraccio. Certo, tutto può succedere, ma la figura ricorrente sarà sempre quella del rosicone.
EMANUELE TIRELLI | La morte aggiusta le cose, ma forse non tutto e comunque non per tutti. Prendete due autori famosi, uno è morto e l’altro, pochi anni dopo la scomparsa, ne parla pubblicamente su twitter come del “più noioso, sopravvalutato, pretenzioso scrittore della mia generazione”. Quello che non c’è più è David Foster Wallace, suicida nel 2008 quando era già considerato uno dei geni della letteratura contemporanea. Quello vivo è il Bret Easton Ellis di American Psycho, per dirne uno. Certo non è molto pulito uscire fuori con una frase del genere su qualcuno che non potrà ricambiare. E probabilmente non è nemmeno una gran mossa visto che gli amanti di DFW continueranno ad amarlo, quelli che non lo amano continueranno a non amarlo e quelli che sono indecisi forse si schiereranno dalla sua parte, anche solo e semplicemente perché è morto. Ma come mai tutto questo astio? Magari un po’ d’invidia? Cosa ha fatto il ragazzo con l’asciugamano al collo (che usava per “difendersi” dalle sudorazioni causate dall’ansia e che coordinava con una racchetta da tennis per far sembrare meno strana la presenza dell’asciugamano) o con la bandana sulla fronte (credeva che gli sarebbe esplosa la testa. Se non lo sapete e ve lo state chiedendo, la risposta è “sì, Wallace non stava affatto bene”)… insomma, cosa ha fatto per meritarsi queste sciabolate tutt’altro che morbide? Qualcuno sostiene che si sia ispirato a un romanzo di Ellis senza ammetterlo (vedi biografia ufficiale targata DT Max e pubblicata in Italia da Einaudi). Quello che è sicuro, invece, è che DFW fosse passato una e più volte con la sua lingua pesante sul famoso American Psycho e sullo stile di Ellis, argomentando, sentenziando, criticando in un’intervista rilasciata nel 1993 a Larry McCaffery. Intervista che da settembre possiamo leggere per intero anche in italiano grazie a Un antidoto contro la solitudine – interviste e conversazioni edito da Minimum Fax. E va bene, Wallace non le ha mandate a dire e aveva sempre una parola su ogni argomento: parlava di tennis, parlava di matematica, parlava di crociere, parlava di rap, parlava di filosofia e ancora e ancora e ancora. Ovviamente parlava di letteratura, scrittura e scrittori. Non ha risparmiato nemmeno Thomas Pynchon, definendolo un autore “oramai superato”, almeno da quanto possiamo leggere, sempre dallo scorso settembre, in Di carne e di nulla, una raccolta di riflessioni e interviste pubblicata da Einaudi. Insomma, abbiamo davvero tanta roba per conoscere meglio Wallace, farci gli affari suoi, capire cosa c’era dietro romanzi, saggi e racconti, e per dare anche una spiegazione a tutta una serie di vicende collegate. D’altronde, si può anche essere d’accordo con l’idea che la morte non aggiusti tutto quanto e che attaccare fortemente uno scrittore sulla propria letteratura sia molto peggio che prenderlo a randellate sulle ginocchia, però Bret Easton Ellis continua ad aver fatto la figura del rosicone. Insomma è come se mezza intellighenzia, e non solo, italiana criticata apertamente da Edmondo Berselli in Venerati Maestri iniziasse a dire pubblicamente che Berselli era davvero, ma sul serio, ma incredibilmente un poveraccio. Certo, tutto può succedere, ma la figura ricorrente sarà sempre quella del rosicone.
LAURA NOVELLI | Cosa festeggiamo festeggiando i vent’anni di “Nunzio”? Che pensieri ci vengono in mente guardando ancora una volta – e con il trasporto di ogni volta – questo lavoro che nel ’94 rivelò al pubblico la sensibilità teatrale di un grande autore come Spiro Scimone? Come e in cosa sono cambiate – se sono cambiate – le lievi sfumature espressive dell’interpretazione di Francesco Sframeli (Nunzio) e dello stesso Scimone (Pino)? Vorremmo rispondere in modo semplice, consapevoli che la semplicità sta sempre al fondo delle faccende più serie. Vorremmo difendere l’idea che questo testo – vincitore del Premio Idi e messo in scena con la regia di Carlo Cecchi – indica una strada di verità artistica non comune. Un’autenticità di situazione, di lingua, di ritmo, di personaggi, di prova attoriale, di senso, che in due decenni di vita non ha perso un solo grammo della sua forza. Testimonianza ne sia che “Nunzio” viaggia nel repertorio della compagnia Scimone-Sframeli da allora e che, insieme con altri successi nazionale e internazionali come “Bar”, “La festa”, “Pali”, “Giù”, sarà ancora portato in tournée nel 2014. E non è un caso che a riproporlo a Roma sia stata la rassegna “Le vie dei festival”, quest’anno particolarmente attenta alla memoria di un certo teatro italiano: quello dove i corpo-a-corpo tra parola e attore (si vedano, ad esempio, “Servillo legge Napoli”, Gifuni in “Gadda e il teatro”, Lombardi in “Tre Lai” di Testori) non sono vuote esercitazioni letterarie ma sostanza, materia teatrale delle più audaci, delle più concrete, delle più umane.