LAURA NOVELLI | In alcuni dei suoi precedenti lavori ci ha raccontato con funambolico disincanto l’idiozia televisiva che detronizza il teatro (“Antò Le Momò”), l’ingarbugliato non senso di un’epopea spaziale dal sapore infantile (“Primi passi sulla luna”), l’agonizzante letto di morte di un’avanguardia artistica mendica e degna dei suoi tempi (“Esercizi di rianimazione”). Adesso Andrea Cosentino, una delle figure più interessanti della nostra scena, approfondisce ancora meglio quel rapporto tra l’arte e la vita che è il suo reale campo d’indagine e in “Not here, not now”, visto ancora in forma di studio al teatro Palladium di Roma nell’ambito di “Teatri di Vetro”, ragiona – e ci fa ragionare – in modo straordinariamente intelligente sulla falsa ritualità in cui si consumano certe pratiche di perfomance assurte a capolavori di arte contemporanea e, ancor meglio, sulle relazione intercettabili tra performance, teatro ed esistenza umana.
Il suo modo intelligente di operare è un modo giocoforza sghembo, rovesciato, comico. Un modo che accosta la cauta fisicità del mimo all’istrionismo dell’attore volutamente eccessivo, la sagace (auto)ironia del clown alla semplicità lirica della marionetta, le linee aperte del cabaret al racconto biografico della narrazione, il senso del ridicolo di Chaplin alla malinconia di Lecoq, la romanità di Petrolini alla prossemica burattinesca di Totò. Dietro tutto questo materiale si nasconde ovviamente lui, Cosentino. Con la sua storia di figlio e di padre. Con la sua tartassante indagine sul senso dell’essere artisti oggi. Con il suo insoddisfatto bisogno di ritrovare nel fare artistico quella verità che Artaud gli – e ci – ha insegnato così bene.
Cuffie insonorizzate sulle orecchie, occhi chiusi, voce quasi sussurrata: all’inizio del lavoro (diretto da Andrea Virgilio Franceschi), egli è uno dei “fortunati volontari” che hanno pagato 15 euro per sperimentare sulla propria pelle “The Abramovic Method”. Ovverosia: centottanta minuti di fuga da sé (e dunque dal proprio corpo) che la celebre performer serba garantisce a quanti, privati di ogni distrazione tecnologica (orologi, telefonini, i-pod, ecc.) e immobili in tre posizioni umane fondamentali (in piedi, seduti e sdraiati), vogliano trasformarsi nei soggetti attivi di una sorta di trance venduta come un’esperienza artistico-spirituale davvero unica. Il performer debuttante fa lo snob. Se la prende con il pubblico. Ironizza sul miope provincialismo di chi crede ancora nella rappresentazione, nel teatro, nelle opere classiche (“obsolete”). Lui non è né qui né ora: “not here, not now” appunto. E’ fuori dal corpo. Altrove. Vola. Il suo io ha le ali. Lui sì che è contemporaneo. Salvo poi dover ammettere che ci troviamo effettivamente in un “teatro”, in un “qui” e in un “adesso” che rappresentano la specificità del fatto teatrale da sempre.
E allora? Dov’è l’arte? Cosa è davvero arte? Esiste ancora la possibilità di un’immedesimazione credibile? Ha ancora senso parlare di una finzione che si tramuti per gli astanti in esperienza intellettuale e/o emotiva? Oppure veramente basta mettersi in una teca e lasciarsi guardare per essere soggetti/oggetti artistici? O, ancora peggio, è sufficiente credere a qualsiasi idiozia pur di apparire colti, aggiornati, caparbiamente contemporanei?
La drammaturgia dello spettacolo cammina dunque lungo molteplici prospettive (il richiamo storico a Duchamp e a Fontana, la caricatura del critico, l’arguta definizione dell’artista che suona come un anatema dalla forza possente) ma mette insieme troppe cose. Forse, si tratta semplicemente di organizzarle meglio e di dare loro un impianto registico più coraggioso, più cinico, più coeso. Spesso, ad esempio, “l’arte” della Abramovic si mescola a quella “cosentiana”, in un gioco di autodenigrazione che ammicca al pubblico ma non trova ancora, secondo noi, il giusto equilibro.
E’ infatti proprio nelle pieghe dell’autobiografia che Cosentino rischia di ammorbidire un po’ troppo la genialità di questo splendido studio (già avviato mesi fa in seno al progetto “Perdutamente” del Teatro di Roma). Da un lato, il riferimento alla mamma bambina che imbocca il padre/nonno, ormai consumato da una grave malattia, con il cibo versato direttamente nello stomaco “aperto” serve proprio a spostare l’ago della bilancia verso la vita, dimostrando che la realtà supera sempre la fantasia (tanto più la furbizia d’artista); dall’altro, i continui riferimenti alla figlia e alla filastrocca della pappa sembrano ridondanti, sebbene non slegati tematicamente.
Quando poi lo sperimentatore dell’osannato metodo diventa l’Abramovic in persona e finisce in una serie di brevi video (li firma Tommaso Abatescianni) che ridicolizzano celebri performance dell’artista, qui sì che il rovesciamento assume i toni di una perspicace intelligenza comica e il divertimento è garantito. Divertimento che funziona pure da necessario vettore della scena finale, virata sul tragico: Cosentino/Abramovic appare in scena in camice bianco e tacchi vertiginosi, si spoglia, si uccide con un coltello e si cosparge il corpo di ketchup. Se – come sostiene l’artista serba – nella performance il coltello è vero e il sangue è sangue e invece nel teatro il coltello è finto e il sangue è ketchup, in questo epilogo tutto si confonde e si mescola. Resta la vita. Il corpo morto dell’attore, che poi risorge per i consueti saluti finali. Il ketchup sul palcoscenico. La voglia di continuare a farsi domande. A scavare nell’autenticità dell’esperienza artistica.
Per amor di cronaca va detto che con questa installazione “didattica” Marina Abramovic – ormai sessantaseienne e dunque immaginiamo non più in forze per certe esibizioni estrose – è stata chiamata, l’anno scorso, anche al Padiglione d’Arte Contemporanea di Milano. E fu proprio in occasione dell’apertura della “mostra” che l’assessore alla cultura del capoluogo lombardo, Stefano Boeri, entusiasta cavia del “metodo”, svenne durante la performance. Anche allora realtà e finzione si sono irrimediabilmente (con)fuse. Impossibilitato a provare fino in fondo cosa significasse uscire dal proprio corpo, il povero Boeri si è ritrovato steso in ambulanza con la pressione a terra. E questo la dice lunga sugli sgambetti del caso. E, ancor più, sull’autorevole potere della realtà.
FRANCABANDERA E SARDELLI | Questa riflessione è a più voci. Si compone del commento allo spettacolo di Vincenzo Sardelli, spettatore sia della versione dell’anno passato che di quella 2013, e di una video intervista ai protagonisti realizzata da Renzo Francabandera che trovate in calce all’articolo. Partiamo senza indugio, dunque.
NICOLA ARRIGONI | Ha trionfato a Salisburgo dove tornerà per dirigere Falstaff di Giuseppe Verdi, è impegnato a Copenaghen nella regia della trilogia pucciniana e a luglio sarà alla Scala con Un ballo in maschera di Giuseppe Verdi. Damiano Michieletto è uno dei registi teatrali più corteggiati dal mondo della lirica e dai grandi teatri europei eppure rivendica la sua origine teatrale: «Sono impegnato sul fronte lirico, ma nasco come regista di prosa, mi sono formato alla Paolo Grassi e all’inizio della mia carriera ho fatto teatro ragazzi».
RENZO FRANCABANDERA | Sono i fratelli Servillo a dare corpo e voce ai fratelli Saporito. Non una scelta casuale, forse, quella di Toni Servillo (regista e interprete nella parte di Alberto) nel volere a fianco proprio Peppe (per interpretare la parte del fratello Carlo) in questa rilettura di uno degli stracult nati dal genio eduardiano.
LAURA NOVELLI | Un uomo e una donna. Buste della spesa in mano. Fermi su pedane circolari girano più volte su se stessi mentre il pubblico entra in sala. Sembrano manichini di un grande magazzino. Sorridono. Sono felici. Si guardano. Ci guardano. Musica alta. Inizia così “Stoccolma” (“Stockholm”), commedia amara di Bryony Lavery che Marco Calvani ha presentato al teatro Belli di Roma all’interno della rassegna “Trend. Nuove frontiere della scena britannica” e che ci auspichiamo venga presto ripreso sulle nostre scene. Uno spettacolo, va detto subito, intelligente, brioso, nuovo, capace di attivare una risposta fortemente empatica nel pubblico, anche grazie all’ottima prova interpretativa di Vincenzo Di Michele (noto volto televisivo e cinematografico che vedremo presto sul grande schermo nell’ultimo film di Marco Risi, “Cha cha cha”) e Ketty Di Porto (attrice poliedrica che, reduce dai consensi ottenuti ne “La dea dell’amore” di Woody Allen, ha ricoperto ruoli spesso tragici in testi per lo più contemporanei).
MARIO DI CALO | Liber* di indossare qualsiasi indumento, liber* di essere se stess*, liber* di manifestare, liber* di essere liber*: liber*! La SlutWalk/Marcia delle Puttane nasce nel 2011, a Toronto, come esigenza di esprimere la propria libertà da parte della popolazione – soprattutto femminile – dopo le affermazioni dell’agente italo americano Michael Sanguinetti, che ebbe a dire, circa la violenza subita da alcune prostitute, che era dovuta e meritata visto il loro comportamento e il loro abbigliamento provocatorio e libertino.
RENZO FRANCABANDERA | Winnie è la vicina pettegola, un po’ rompi, di quelle che mettono in croce il marito. Una che parla inarrestabile e inarrestata per un’ora di qualsiasi cosa, dal tempo alla borsa della spesa. Nella sua disponibilità prêt-à-porter, tiene con la stessa nonchalance la spazzola e la pistola. Suo marito è di fatto rintanato in un buco, ormai succube afono della strabordante compagna, che lo domina, addomesticandolo ad ogni suo volere: “Torna nel buco!”, gli urla perfino. E lui obbediente.
ASSUNTA PETROSILLO | In un ambiente scarno, polveroso, grigio, buio – come l’Europa sul finire della prima guerra mondiale – si rincorrono anime disperate, angosciate, inquiete.