VINCENZO SARDELLI | Le ballate popolari di Mistinguett, graffiante soubrette della Parigi Belle Époque, il pianoforte ritmico e barbarico di Béla Bartók, l’ebbrezza evocativa di Franz Schubert: è musicale lo sfondo a “Sonata per ragazza sola”, di scena al Teatro Litta di Milano. I muri grezzi della sala Cavallerizza sono la cornice di questo monologo di Federica Bern, con la regia di Francesco Villano.
Il palco a forma di T s’incunea nel pubblico tagliando in due la platea. Pochi oggetti sulla scena realizzata da Fiammetta Mandich: un drappo rosso come scenario, un abito di gala su manichino, uno sgabello da pianoforte. Lo spettacolo omaggia Irène Némirovsky, scrittrice russa espatriata in Francia e morta ad Auschwitz. È liberamente tratto da due suoi racconti biografici, Il ballo e Jezebel.
Il manichino disanimato è l’emblema di una festa che non inizia, di un tempo inconsistente.
La protagonista interpreta, in una Parigi anni Venti, Antoinette e Fanny, figlia e madre. Abito azzurro al ginocchio, i rossi capelli raccolti lambiti dalle luci felpate di Fulvio Melli, Federica Bern giostra tra le due donne. Divisa come gli spettatori, la giovane attrice s’insinua in un rapporto complicato. Antoinette, con un pacco di lettere d’invito (non saranno mai spedite) attaccato al collo a mo’ di collana o di borsa, è la classica adolescente un po’ ipocondriaca. In opposizione a una mamma scriteriata e normativa che la trascura, Antoinette oscilla tra fantasia e realtà, con quel quid di malizia che irretisce lo spettatore. Ironica e leziosa, Antoinette si smarrisce nelle sue rievocazioni letterarie, da cui attinge l’inventario noir che, tra Giulietta, Ofelia e Anna Karenina, le suggerisce spunti suicidi. Lo sgabello diventa trampolino di un tuffo virtuale, di passaggi lastricati e abissi onirici in cui Antoinette scivola, nuota, volteggia. La morte, più che una minaccia, è la proiezione di un desiderio di protagonismo, lo stesso evocato dal drappo-sipario o dall’abito-manichino. La muta tastiera di compensato nelle sue mani intona laconici «vorrei ma non posso». Le cantilene puerili e briose di Antoinette fanno evaporare l’angoscia che così non ristagna, mantenendo pièce e personaggio sopra la linea di galleggiamento.
Lo sdoppiamento si materializza in Fanny, una madre che rimuove le proprie insufficienze con il rituale di regole con cui dirige la figlia. Attraverso Fanny la Némirosky ridicolizza la Parigi frivola dei salotti, il bel mondo che esorcizza malattia e decadimento attraverso pettegolezzi e giudizi. Fanny organizza una soirée che non sarà. Fanny/Antoinette s’imbriglia nella chilometrica collana di perle che la stritola come le corde di un insaccato, che la fa inciampare. Chilometrica come il cordone ombelicale che lega e separa madre e figlia, come la lista degli esponenti della bella società di cui la donna elenca vizi e difetti.
Ogni giorno Fanny si alza, si veste e sogna ancora l’uomo fatale. Vive nel rimpianto di una bellezza sfiorita. Vagheggia un decoro svanito. Il suo sorriso falso è un sudario che la cipria ridondante non basta a mascherare. Le luci scherniscono la sua carcassa in calze da seta, la sua disperazione autistica.
Questo monologo a due voci esalta le qualità recitative di Federica Bern, figlia-ragazzina trascinante e impertinente, madre imperativa punita per la sua futilità.
In fondo, la presenza in scena di una sola attrice, più che l’espediente di chi è costretto a far di necessità virtù, serve a rimarcare una sola identità bifronte. Antoinette e Fanny sono una sostanza e due simulazioni, due risposte inadeguate allo stesso bisogno di tempo: quello che non c’è ancora per la ragazza, quello ormai andato per la dama. Malate la prima di fantasia e vendetta, l’altra di realtà e risentimento. Ironica ed empatica la figlia, patetica e refrattaria la madre.
Un’attrice, uno spazio piccolo, pochi elementi. Una miriade di sfumature, che ci proiettano, con qualche insistenza didascalica qua e là, nell’ambivalente rapporto madre-figlia, nel variegato cosmo dell’amore, nei meandri dell’indole femminile.
[youtube https://www.youtube.com/watch?v=ruT5Eqw_ZfA&w=560&h=315]
RENZO FRANCABANDERA | Un uomo dissoluto abbandona figlio e anziana moglie. Il ragazzo viene su un po’ ribelle, prova a fidanzarsi con la bella di paese e, quando scopre che un altro sta per sposarla, irrompe alla festa di matrimonio e la rapisce. La fuga si sposta in un mondo incantato fra troll e altre bestie della fantasia nordica: detta così sa di avventuroso.
MARAT | A parte le marchette. Che quelle sono altra cosa. Ci sono due categorie di critiche che mi danno noia: le logorroiche e i riassuntini (para)scolastici. Le prime sono lo sfogo verbale di un ego smisurato o minuscolo, a seconda dei casi. È vizio tipico del web. E ti rintrona talmente che rimpiangi le battute contate ai decimali dei quotidiani cartacei. Le logiche redazionali. Quelle che ti bruciano una recensione per presentare il musical al Teatro della Luna. Cose così. Eppure quasi le preferisci. Del tipo: mi sveglio, alzo un po’ la tapparella per fare entrare un filo di luce, getto un occhio alle piante sul balcone e mi preparo il caffè. Fino a qui tutto bene. Ma si sa, il problema non è la caduta ma l’atterraggio. Ovvero la lettura di siti e giornali.
ANTONELLA POLI | “Non conosco altro balletto in cui la danza sia capace di regalare in maniera così perfetta l’illusione di una narrazione drammatica…La danza non è un esercizio acrobatico, ma è del tutto espressivo: l’azione si traduce unicamente in gesti danzati e acquisisce una forza, un’intensità d’emozione raramente ineguagliabili”, così scrive Serge Lifar nel 1942 a proposito di Giselle.
La Sylphide, « le ballet blanc » per eccellenza è stato senz’altro il primo e ha segnato in un certo senso le successive produzioni ballettistiche in cui il senso dell’immaterialità divenne caratteristica peculiare incarnandone anche l’ideale romantico. Inoltre attraverso la danza, si riusciva così a superare la dicotomia “religiosa” tra spirito e corpo, questa rottura che trovava il suo sugello nella realizzazione del desiderio amoroso. La creazione coreografica trovava, dunque, una propria vocazione, che le attribuiva anche in un certo senso la sua finalità. E di tutto ciò sempre lo stesso Gautier ne fu fermamente convinto, anche perché trovò nella danzatrice Carlotta Grisi la sua musa ispiratrice. Sia chiaro che in ogni caso sarebbe un errore pensare che la fonte originaria di Giselle sia stata anche la Sylphide, benché i temi in comune siano parecchi. Sulle fonti del balletto ne abbiamo già discusso. E veniamo alla Giselle, ripresa da Yvette Chauviré e messa in scena al Teatro alla Scala di Milano a partire dal 26 Aprile. La coppia oramai consolidata Zakharova-Bolle ha ancora una volta mostrato tutta la loro perfezione, sia tecnica che artistica. I due danzatori fanno oramai coppia fissa nel teatro scaligero e questo permette loro di danzare all’unisono, e di interpretare i personaggi del balletto classico con grande maestria. La bellezza dei gesti splende sul palcoscenico, la loro sintonia fa vivere realmente la storia d’amore e di tradimento tra Giselle e Albrecht. Il corpo della Zakharova scompare nell’esecuzione delle infinite arabesques, Roberto Bolle l’accompagna, con tutta la sua sensibilità e la padronanza del ruolo. Ma il successo di questa ripresa lo si deve anche agli altri protagonisti, alcuni più noti altri meno. Mick Zeni, garantisce con tutta la sua teatralità, la riuscita del personaggio di Hilarion, la giovane Vittoria Valerio con il primo ballerino Antonino Sutera danno vita a un bel pas des deux nel primo atto, perfetti nella loro variazione. Virna Toppi é Myrtha, la regina delle Willi. La ballerina, che ricordiamo fa ancora parte del Corpo di Ballo e che aveva esordito nel personaggio di Raymonda nel mese di ottobre 2012, conferma di avere buone qualità, anche se nei primi momenti in scena esita, apparendo quasi intimorita dal ruolo che veste. Questo lo si nota soprattutto nell’esecuzione di quella quinta serré pointé; ma in seguito si riprende ammirandola nella serie dei grand jeté e nella capacità di affermare tutto il suo potere sulle Willi. Quest’anno nel ruolo di Giselle, si alterneranno Petra Conti e l’esordiente Lusymay Di Stefano, promesse del Teatro alla Scala.
MARIA CRISTINA SERRA | L’arte riempie la vita di significati, incrocia le parole della nostra contemporaneità, ci rammenta che siamo fatti della stessa materia dei sogni. “L’arte è ciò che rende la vita più interessante dell’Arte”, dice Guillaume Piens, Commissario generale della 15° edizione di “Art Paris” al suo secondo mandato, determinato a seguire la rotta verso un “cosmopolitismo regionalista” in una visione dell’arte non spettacolare e fine a se stessa né “mondialista”, condizionata dalle mode e dalla finanza, ma capace di rappresentare autenticamente tutti i sentimenti umani nella loro universalità.